Hola, hola. Esta es nuestra semana 2 de la galería de artistas, así que aunque supongo que no te tengo que explicar de qué se trata, te dejo un recordatorio: voy a compartirte unos cuantos canales de artistas en YouTube durante los lunes de arte en el mes de octubre, y hoy nos toca hablar de Jim Reno.
Si te gusta el arte de YouTube probablemente ya la conozcas, pero si no, te prometo que es un canal que no te querrías perder.
Es un canal en inglés pero en lo personal, siento que la barrera del idioma se traspasa e incluso se olvida por el hecho de estar contemplando el trabajo de esta talentosa artista. En un momento de dejaré algunos ejemplos de su trabajo.
Aspectos que me encantan de su canal son: la estética de sus videos, su trabajo y la calma que transmite con cada nuevo contenido.
En su canal encontraremos contenido principalmente de arte, pero también algunos maquillajes y otro poco de variedad. A continuación te dejo con algunos de sus contenidos:
Y quise cerrar con broche de oro porque el siguiente video es uno de mis favoritos:
De verdad me encantaría que te des el tiempo de visitar su canal y darle mucho apoyo, porque también la comunidad de YouTube se lo merece.👋🏽
Hola, hola. Hoy estoy súper emocionada de escribir (o no escribir ¿?) porque esta es nuestra primera entrada oficial a la ‘GALERÍA DE ARTISTAS’, donde les compartiré durante el mes de Octubre en los lunes de arte, un canal de YouTube que creo que podría gustarles y que trate, evidentemente, temas de arte.
La verdad es que las ansias no iba a aguantarme así que voy a iniciar con uno de mis favoritos.
Como había dicho, esta galería será casi exclusiva de imágenes que les acerquen más a lo que quiero decir, pero eso no me impedirá explicarles un poquito sobre lo que se hace en los canales. Dicho esto, empecemos.
KAOS: Estudio Katastrófico
Para comenzar, fíjense nada más en el estilo de dibujo. El uso de tinta, líneas quebradas, poca saturación de color (la mayoría de las veces) y los tonos en blanco y negro, definen totalmente el estilo de Juan.
La verdad es que ver su feed de Instagram siempre me genera una sensación de felicidad y de poder mejorar.
Por cierto, su usuario en Instagram está justo ahí en la foto.
En su canal podemos encontrar videos como estos, dedicados a consejos sobre diferentes temáticas del dibujo: anatomía, paisajes, color, etc.
Los retos de arte, como el MerMay, también son una temática súper presente en el canal de Juan, pero es que otra cosa que lo define tan bien es: LA NARRATIVA.
Juan nos envuelve en su mundo de arte con historias increíbles mientras dibuja. No por nada me he visto más de 5 veces el MerMay. La siguiente imagen es otro gran ejemplo de la utilización de este recurso:
No puedo explicar mucho más sobre el canal porque es que es tan complejo. De cualquier modo, te dejo con algunos de sus trabajos que puedes encontrar en su cuenta de Instagram y en algunos casos, en su canal de YouTube.
Hola amigos. Hace un poco de tiempo pasaba por Facebook y una publicación súper colorida sobre las paredes de Oaxaca me llamaron muchísimo la atención.
El artista Froy Padilla Aragón, más reconocido como ‘Efedefroy’ ha elaborado unas obras increíbles al rededor de casi toda la capital de Oaxaca.
No voy a explicar demasiado porque creo que disfrutaremos más con una pequeña galería con algunas de sus obras, por si las te perdiste las de Facebook.
Efedefroy ha hecho estas obras con una técnica poco común para el arte urbano… es decir, todos estamos acostumbrados a ver grafitis o pinturas, pero él utiliza impresiones en papel bond que se adhieren a los muros con engrudo, pegamento y nada más y nada menos que harina.
Esta combinación no es nada invasiva, lo que en caso de quererlo, no hace falta más que utilizar un poco de agua para eliminarlo.
En sus obras observamos grandes figuras del cine de oro mexicano mezclados con escenas de películas icónicas u otros momentos memorables. A continuación te presento varias de sus obras, pero no olvides que puedes utilizar el buscador para seguir conociendo más sobre este artista.
¿Llegaste hasta aquí? Recuerda que a partir de la siguiente semana y durante todo el mes de octubre llevaremos este formato de poca explicación y varias obras para la ‘Galería de artistas’, que se compone de figuras que he conocido en YouTube y que creo que les encantarán, ya que cada uno tiene estilos súper diferentes.
Hola, el día de hoy como parte de nuestros temas de arte, hablaremos un poco sobre ‘literatura’. Como seguramente ya leíste en el título de la entrada, el tema puede parecer de entrada un poco confuso, pero te prometo que tiene todo el sentido del mundo.
Fue en 1772 cuando salía a la luz la primera edición del libro “Las penas del joven Werther”, novela que, de manera resumida, trataba de un chico que fue rechazado por su amor y por ello decide suicidarse. Hasta ahí, puede ser que todo te parezca muy normal. Pero no fue sino hasta después de su publicación que comenzaron a observarse cambios en las tendencias de los jóvenes.
El libro fue un gran éxito desde que entró al mercado, pocos meses después tuvieron que sacarse al menos tres nuevas ediciones. La que te dejo aquí mismo es la primerísima edición.
Pero poco después, una ola de suicidios desencadenados por la imitación de las acciones del protagonista, ocasionaron que el libro se prohiba en varios países.
Y una vez conocida la historia del libro, ahora vamos a comenzar a hablar específicamente del efecto Werther y cómo se explica el hecho de que este tipo de acciones sea ‘contagiosa’.
La muerte de Marilyn Monroe
En 1962, la actriz se suicido en su sala de baño, con lo que en agosto todo el mundo estaba aún bastante conmocionado.
Durante los siguientes meses después de su muerte, se registraron 303 suicidios de jóvenes. Con lo que de nuevo, ‘el efecto Werther’ volvió a tomar fuerza en los medios de comunicación.
Sucedió lo mismo después de la muerte de Kurt Cobain; por lo que se comenzó a especular que quizá podría haber una relación con el hecho de mencionar públicamente el suicidio de personas famosas.
A lo largo del tiempo, este fenómeno se continúa presentando. Y según datos conocidos, la tasa de suicidio aumentaba cerca del 12% una vez que se hacía pública alguna noticia relacionada al suicidio de gente de la farándula.
Incluso en el año 2017, Canadá intentó prohibir la serie ‘13 reasons why’, alegando la posibilidad de la existencia del mismo efecto.
Hablar sobre suicidio: ¿Bueno o malo?
En realidad no hay un esquema que nos permita decidir si es bueno o malo, lo que se recomienda es que se trata el tema con cuidado, ya que no se sabe quién podría llegar a obtener la información y por tanto, no debe entrarse en detalles que puedan desencadenar reacciones emocionales a los espectadores.
Además de que es de suma importancia hablar sobre el suicidio para poder prevenir e indicar a las personas que lo necesidad: qué hay otras alternativas.
¿Tú qué opinas? ¿Los suicidios sí están relacionados con la muerte de personas famosas? O ¿es ocasionado solo por el morbo de la gente?
Me encantaría que me compartas tu opinión en la cajita de comentarios… estaré atenta para leerte.
Hola, espero que te la estés pasando muy bien. Hoy me gustaría hablar de un tema, cortito pero verdaderamente bueno. Creo que las pinturas que forman parte del arte abstracto suelen estar llenas de duda por parte de los espectadores. Preguntas como:
¿Por qué no lo hice yo antes?
¿Qué quiso representar el artista con su obra?
¿Es que a caso la gente no ve que le tomó solo 5 minutos?
Y muchas otras que atormentan a aquellos que no lograr comprender la complejidad de este tipo de obras. No digo que tenga que ser del agrado de todos, soy consciente de que es imposible que a todo el mundo le guste algo en particular, pero sí me encantaría que todos podamos reconocer que el arte es un concepto bastante particular que no podemos encasillar en obras fáciles de entender para todos o ‘bonitas’, estéticamente hablando.
El arte abstracto, a mi parecer, es una de las apuestas más arriesgadas por las que pueden apostar los artistas. Digo, si me pongo a tirar tinta en una servilleta y la intento vender, probablemente me tachen de loca; pero si vemos unas obras de Kandinsky, pagaríamos miles de euros (bueno, quizás no todos pero probablemente alguien con los medios y con el amor suficiente al arte probablemente lo haría).
Kandinsky es, precisamente, a quién se le atribuye la creación del arte abstracto. El afirmó que en 1911 pintó el primer cuadro abstracto; aunque más tarde se descubriera que no fue sino en 1910 que una acuarela a tinta china y mina de plomo del mismo artista fue la primera pintura abstracta.
Tipos de pintura abstracta
Abstracción lírica:
Creo que este es el tipo de obras más reconocidas a lo largo del mundo, al menos, con lo que refiere al público en general. Y se trata de una representación, por medio de color y formas libres, de sentimientos, emociones, ideas, filosofías, etc.
Abstracción geométrica
Por otro lado tenemos al arte abstracto geométrico. Creo que todos hemos visto alguna referencia u otra publicación con una imagen similar a la que se encuentra aquí.
Esta obra es de Mondrian, así súper sencilla (para algunos), yo francamente la adoro.
Y como se puede observar, en este tipo de composiciones se utilizan figuras geométricas, desde círculos, cuadrados, líneas, triángulos; para crear las obras.
También existe la escultura abstracta, pero creo que eso puede ser tema de otra entrada, así que la dejaremos para después.
Como has podido observar, en realidad, la pintura abstracta no es más que sentimientos y representaciones de ello mediante el arte; es como los otros tipos de pinturas, la diferencia radica en la manera de representarlas: causando más enigma, más confusión, más trabajo de razonamiento.
Así que, la respuesta a la pregunta del título es: SÍ, todos somos capaces de representar nuestras más profundas emociones en arte abstracto… que trascienda y sea conocido, eso sí es un poco más complicado. Pero nada perdemos en intentarlo.
Espero que el tema de hoy te haya gustado, y que aproveches para poner en práctica obras únicas y de tu propia autoría, que ni tú mismo puedas replicar.
Los sentimientos son complejos, y el arte no se queda atrás. Así que ¿lo intentamos?.
Hola, ¿cómo estás? Espero que muy bien. Hoy traigo para ti una de mis pinturas favoritas del mundo, le tomé mucho amor debido a un libro que leí y, de hecho, este blog será un prefacio de la reseña del sábado. Entonces los espero por aquí también ese día.
Hablaremos de: ‘La primavera’ de Sandro Botticelli, un pintor italiano del renacimiento. Pero, ¿por qué me gusta tanto la obra?. Porque me gusta complicarme las cosas y esta pintura tiene una larga historia. Veámosla.
Quizá a simple vista evoque poco a los que no estábamos muy acostumbrado a las obras más antiguas, pero estar pintura ha hecho que muchos críticos de arte difieran en cuanto a su interpretaciones de la obra. Algo muy llamativo de la obra es que mide poco más de 3 metros de largo y poco más de 2 de alto, lo que lo hace una obra fantásticamente grande. De hecho, las personas dibujadas son de tamaño real.
Pero ahora sí, vamos a desmenuzar el significado de la obra. Casi toda la información la he sacado del libro que leí y otro poco de internet, la he resumido lo mejor posible para que sea cómodo para ti, pero si te sientes intrigado, te invito a investigar más profundamente. No te vas a arrepentir.
En primera instancia podemos observar a Céfiro, el dios del viento, quien entra a la escena del lado derecho mientras persigue a la Ninfa Cloris.
A ella no se le ve contenta, incluso se podría decir que le repudia o lo rechaza. Con lo que Céfiro busca con desesperación a su amada, para estrecharla entre sus brazos. Ya casi la tiene por lo que podemos deducir que la ha perseguido desde hace mucho tiempo y Cloris se ha cansado.
Lo siguiente que veremos será a Flora, quien es la persona en quien Cloris se ha convertido una vez que ha sido poseída por Céfiro.
Con esto podemos observar una clara influencia de Poliziano, poeta autor de La Giostra de quien Botticelli ha mostrado en sus trabajos es fuente de inspiración.
En el poema hablan de los mismos temas que el pintor nos muestra en el cuadro: Céfiro, Cloris, Flora, y los demás personajes que veremos.
En el cuadro, Botticelli nos muestra que el amor es una fuerza comparable a las demás fuerzas del universo, y de ahí que el amor de Céfiro haga que Cloris se convierta en Flora y de ella emanen flores, de la misma forma que la primavera.
La siguiente figura, la central, es Venus, pero podemos notar que es la Venus Humanitas, ligada a la vida terrenal y no la Venus Caelestis, ya que la que vemos en la figura lleva puesta una vestimenta.
En la pintura se puede observar un pequeño bulto en el estómago, con lo que lo más probable es que esté embarazada.
Por la presencia de ella, los críticos han relacionado El nacimiento de Venus, otro cuadro de a Botticelli, con La primavera, ya que uno representa a Venus Caelestis y el otro a Venus Humanitas.
A un lado de Venus, observamos a las tres Gracias. Llamadas por Hesíodo: Aglaia, Eufrosina y Talía; pero mejor conocidas como: Pulcritud, Amor y Voluptas o Pulchritudo, Amor y Caritas.
DATO: Venus también era identificada como Pulchritudo.
En la mitología, estas figuras toman una trinidad basada en la forma cristiana, en la que Venus es la belleza suprema, la unidad de las tres Gracias.
Otra definición que se le da, son los tres aspectos del amor: dar, recibir y restituir.
Integrados como: amor que se da a los hombres, que los hombres reciben y deben restituir en forma de contemplación.
Ahora podemos observar a Cupido, hijo de Venus, quien tiene una venda, y como es costumbre, su carcaj, arco y flecha. La ceguera ha sido atribuida porque se considera que el amor procede de la mirada y debe ser forzosamente contemplada. Por otro lado, Platón menciona que el amor ciega hasta el punto de juzgar equivocadamente.
Cupido es representado por un niño debido a la irracionalidad de los amantes, las flechas representan las heridas que se deja al amar.
También se explica que Cupido tiene dos tipos de flecha, las de oro que dejan enamorada a la gente, y las de plomo, que hacen que la gente rechace a su amante.
Finalmente tenemos a la figura que causa más confusión, los cítricos no están seguros de que hace en el cuadro, pero coinciden en que se trata de Mercurio.
Algunos dicen que simboliza el solsticio de verano que disipa la niebla. Otros mencionan que a Mercurio hace de mensajero o simplemente que está a punto de irse y se detiene para tomar una fruta.
A Mercurio ya de por sí se le atribuyen muchas situaciones, por lo que es difícil comprender su papel en el cuadro. Así que te dejo con las que son más populares entre los críticos.
Espero que hayas disfrutado de este blog. Recuerda que el sábado hablaremos del libro que me ha hecho interesarme por esta pintura, así que te espero por aquí ese día. ¡Hasta pronto!
Hola amigos, siguiendo con la temática que hemos estado llevando estas últimas semanas paso a presentarte 6 de las ramas principales del arte conceptual. La verdad es que entre una y otra, y con el paso de los años, se han ido desarrollando cada vez más y más divisiones, pero éstas son las primordiales y con las que tendremos un conocimiento básico pero contundente de las obras.
Las he ordenado de mi menos a mi más favorita, pero eso no significa que la calidad de una sea mejor que la otra, simplemente ha sido mi percepción. Ahora sí, comencemos:
6. Fotografía conceptual
Esta rama del arte es bastante sencilla de comprender, se refiere a la toma de fotografías ligada a una temática o bien, a una idea específica. Y si la he elegido como menos favorita es porque no me siento súper identificada con este tipo de arte. Pero si eres un apasionado o apasionada de la fotografía, seguro que este tipo de arte te encantará. Mi obra favorita es:
La naturaleza de las cosas – Chema Madoz
Esta obra se trata de un serie de 62 fotografías en blanco y negro, el artista menciona que las fotografías en blanco y negro son parte de una realidad alternativa creada en nuestro cerebro. Es decir, pertenecen a otra línea espacio-temporal.
Las fotografías son preciosas y si quieres ver la galería completa, te invito a buscar la obra con el mismo nombre que te puse arriba.
5. Instalación
Para este arte necesitaremos dos cosas: un espacio y una experiencia; esto consiste prácticamente en modificar algún espacio, sin importar cuál y lograr convertirlo en una obra de arte que genere un sentimiento.
Weather project – Olafur Elliasson
Esta obra consistió en convertir un espacio en un realidad similar a un atardecer, en la que la narrativa refería a la luz como antítesis de la oscuridad, y al como, inconscientemente, el ser humano se siente mucho más seguro en un espacio con estas condiciones.
4. Vídeo arte
Para estas composiciones artísticas se utilizan los medios audiovisuales, es decir, los vídeos. Hay muchísimas obras que son tanto cortas como largas. Hoy he elegido como mi favorita un vídeo corto de aproximadamente un minuto llamado:
Jaws – David Crespo
En este vídeo el artista nos presenta un panorama tranquilo en un océano prácticamente inmutable, pero luego de un rato, la banda sonora de la película ‘Tiburón’ comienza a sonar tornando la atmósfera en una situación tensa; y haciéndonos darnos cuenta de esos pequeños sentimientos que derivan de la experiencia y que tenemos muy grabados en el inconsciente. ¿No es sorprendente?
3. Gráfica alternativa y collage
La verdad es que de esta forma de arte no tengo mucho que explicar, ya todos conocemos lo que es un collage. En esta sección no pude elegir una obra como tal, pero sí un artista. La verdad es que también fue súper complicado porque de este arte conceptual estoy fascinada. Pero al final me he decantado por:
Ernesto Artillo
Quien realiza collages de fotos propias y de otras empresas con muchísimo sentido de la estética. Creo que este es el tipo de collage que más me gustan por mis percepciones personales. Pero este artista tiene una trayectoria increíble trabajando con marcas como Dolce & Gabanna. Además de que él comenta que el arte, la composición y la estética son los cimientos para sus obras.
2. Ready made
Creo que como habrán notado, en cada obra me explayó más y es porque siempre me encanta ir avanzando hasta lo mejor. Esta rama del arte consiste en sencillamente utilizar un objeto de la vida cotidiana y con una narrativa, convertirlo en una representación de arte.
Merda d’artista – Piero Manzoni
Estaba dudando entre varias obras de este tipo, pero al final me he decantado por esta ya que supone un dilema genial. En esta obra, el artista critica a la sociedad consumista que convierte cualquier ‘obra de mierda’ en una obra de arte solo por el hecho de estar firmada por un artista.
Piero utilizó 90 latas supuestamente llenas de sus heces fecales (¿?). Lo que es más gracioso, es que la sociedad le dio la completa razón. Al final, una de estas latas fue vendida en 275, 000 euros. ¿Pagarías eso por ‘una mierda’?
1. Performance
Ya he mencionado que el arte performance es de mis favoritos, pero sí que me he debatido esta plaza y la anterior. Al final he seleccionado esta por el escenario en que esta obra se tornó, ya que me dejó impactada desde que lo conocí.
In search of the miraculous – Bas Jan Ader
Este artista tenía enfocada su carrera desde una perspectiva demasiado diferente. Per al final, en la búsqueda de ‘cambiar los aires’, Bas Jan se lanza a un viaje por el océano Atlántico en una pequeña barca, con la finalidad de atravesarlo.
Se mantuvo contacto con él por 3 semanas, pero después no se volvió a saber de él.
Su pequeñas embarcación fue hallada nueve meses después en las costas de Irlanda, pero evidentemente, él ya no estaba ahí.
¿Conocías todas estas obras? La verdad es que el arte a veces está lleno de completas locuras pero hay que admitir que el hecho de que alguien lo haga, lo hace aún más loco e interesante.
Si conoces otras obras de este tipo sería genial que la compartas en la sección de comentarios para que juntos conozcamos más profundamente todo este mundo de mentes maestras.
Te espero prontito en la siguiente entrada.
Durante el mes de Septiembre y Octubre, nuestros Jueves los estaremos dedicando a un pequeño curso de neuro diseño del que aprendí un montón y me encantaría compartirte. Después de eso retomaremos la dinámica de siempre. Te espero también por aquí.👋🏽
Hola lectores, hoy es un nuevo lunes, inicio de semana así que vamos a darnos un ratito para hablar sobre arte. La semana pasada comenté sobre lo mucho que me gusta el arte performance, entonces hoy quise traer al tema a una artista muy representativa, sino es que la más, del arte corporal performance. Ella es Marina Abramovic, incluso catalogada como la ‘madre del arte performance’ (Sí, a ese nivel).
Marina nació el 30 de noviembre de 1946 en Serbia, desde pequeña a adorado el arte y recibió clases de pintura y piano a la temprana edad de seis años.
Algo súper interesante de esta artista es que el ‘miedo’ no hace parte de su vocabulario (ni de su vida). Cuando era pequeña, no le gustaba su nariz pero sus padres no concebían la idea de operarla. La niña, sin límites decidió golpearse la cabeza contra la pared para que sea obligatoria una operación.
Marina comienza en el mundo del arte performance en la década de los 70, donde claramente no iba a ser tomada como una niña loca. Ella, junto con su pareja sentimental ‘Ulay’ comenzaron a ser una de las parejas más reconocidas de este arte. A continuación te presento algunas de sus obras:
Relation in time
Esta obra consistía en atarse el cabello, mirar en posiciones contrarias y de vez en cuando jalarse durante 16 HORAS.
Imponderabilia
En 1977, los dos artistas se pararon frente a frente completamente desnudos en la entrada de una exhibición de arte. Donde cada que una persona entraba tenía que atravesarlos y, evidentemente, tocarlos.
AAA – AAA
En esta obra de 1978, los dos artistas se gritaban el uno al otro por muchísimo tiempo para determinar quién de los dos era el más dominante.
Rest energy
¿Te has puesto a pensar en el grado de confianza que le tienes a tu pareja o a cualquier otra persona? Yo podría decir que mucha pero realmente me lo cuestiono al observar esta performance. Poniendo en consideración que el mayor peligro que he corrido con alguien es que no me atrape en ‘la prueba de confianza’, no sé qué haría en esta situación.
En esta obra Marina sostenía un arco y Ulay una flecha. Se mantuvieron en esta posición durante 4 horas completas, en las que si alguno flaqueaba, Marina estaba expuesta a un peligro demasiado grave. ¿Te imaginas?
Otras de las obras que más me fascinan son ‘Death self’ donde ambos unieron sus bocas en un beso de 17 minutos hasta que cayeron desmayados por falta de oxígeno. Y la despedida de su relación y carrera juntos, ya que cada uno se puso en cada extremo de la Gran muralla china y caminaron hasta encontrarse en el centro con el otro, ahí se dieron un gran abrazo y se despidieron sin esperar volver a verse. Cosa que siguió en pie hasta el año 2010 cuando en una performance de Marina en la que se quedaba sentada sosteniendo la mirada a la persona que quisiera. Esta obra que duró 3 meses se trataba de ella sentada ocho horas en un museo, recibió más de 750, 000 visitantes entre los que se encontraba Ulay, a quien no había visto en 23 años.
Como ya no quiero extenderme muchísimo más, hasta aquí dejo esta entrada. Me encantaría que me digan si quieren que profundice en algunas de sus obras o que les cuente sobre las muchas otras que ha hecho. Aunque también les invito a indagar un poco más sobre ella, ya que su obra es magnífica. Nos leemos pronto.
Si bien todos los tipos de arte son complejos e interesantes, he de admitir que esta es una de mis formas favoritas. (Aunque no todo el mundo esté de acuerdo con ello).
El arte performance es un arte visual, en el que el artista se vuelve el arte, explora y llega a los límites del cuerpo. Con ello, y con una buena narrativa, este tipo de arte tomó muchísima fuerza a finales de los años 60 y principios de los 70, a pesar de que desde mucho tiempo antes ya existían muchos artistas dedicados plenamente a esta clase de expresión artística.
Muchos prefieren entenderlo como un arte escénico, ya que puede incluir drama, danza, comedia, música, sonidos, etc.
De cualquier modo, como sea que queramos entenderlo: arte es arte y si tuviera lógica, sería matemática.
Estas representaciones contemporáneas, hacen que uno se pueda sentir envuelto e incluso identificado. Debido a que estos performances necesitan de un público que haga parte.
He de admitir qué hay obras que se me hacen de mal gusto, pero existen muchas otras que me han fascinado y que en definitiva me ponen la piel de gallina. Pero estos ya serán tema de otra entrada.
Estas exhibiciones ligadas al arte conceptual son sin duda alguna una obra increíble, incluso hay artistas que utilizan la auto tortura, los rituales, la naturaleza; para poner en escena su obra. Por lo que mucha gente se pone a cuestionar si ¿esto es arte?
Algunos de las temáticas que se abarcan en estas representaciones puede ser el arte corporal, los mimos, incluso el arte feminista. Aquí entre nos, el arte corporal para mí tiene la corona.
Todas estas piezas pueden llegar a parecer un acto de circo, divertidos y entretenidos para todos; otros pueden incluso desafiar la ética y la moral acostumbrada, pareciendo repulsivos u ofensivos. Pero, ¿tú qué piensas?
Una de las pinturas más emblemáticas de las últimas décadas es ‘La noche estrellada’, del ya muy conocido Vincent Van Gogh. Esta figura causó mucho revuelo después de la muerte del pintor en 1890, ya que fue una de sus últimas obras.
La noche estrellada fue concluida el 19 de Junio de 1889, un año antes de su muerte.
Varios motivos por los que aún causa misterio, son los concernientes a lo que representa la pintura, pero también los que reflejan las condiciones en que esta pintura fue realizada.
Esta obra maestra, fue realizada durante la estancia de Vincent en una clínica psiquiátrica, se dice que los motivos que lo llevaron ahí eran que sufría ataques de epilepsia, alucinaciones y delirios, quizás debido a malformaciones genéticas o a que el pintor consumía la pintura amarilla, esto último era porque para él, el amarillo representaba la felicidad y por consecuencia, al consumirlo estaba consumiendo ‘la felicidad en su forma más pura’.
Lo que se sabe es que psicológicamente Vincent no estaba tan bien, probablemente sufría depresión y es a ello a lo que han relacionado la figura del árbol en la famosísima pintura. Según muchos historiadores, el árbol que dibujó está vinculado a la muerte por su común presencia en los cementerios. Qué curioso que haya sido una de sus últimas pinturas, ¿no? Podría ser que Van Gogh sintiera que no le quedaba mucho en la tierra.
Otro de los enigmas refieren a la estrella más grande que está en la pintura, hay quienes dicen que hace referencia a Venus, que el día en que esta obra se finalizó se podía ver claramente en el cielo. No obstante, al estar él en la clínica, nada asegura que hubiese tenido ventanas o alguna otra conexión con el exterior.
Muchos piensan que en realidad se inspiró en el lugar donde creció. Pero en sí, las pinturas surgen de su total imaginación.
Él ya había pintado otras noches estrelladas, por ello la paleta de colores entre azules, naranjas y amarillos se encuentran muy atribuidos a su persona.
Quizás esa hermosa ciudad de pintura es a donde fue Van Gogh después de su muerte. Quizás algún día nosotros la conoceremos también.
La noche estrelladaLa noche estrellada sobre el Río RódanoTerraza de café por la noche
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